vfmk sep 2024 (24 resultados)

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Author, art entrepreneur and art advisor, Christoph Noe, is back with his next round of advice on maintaining positivity in the art world with 'How To Not Fuck Up Your Art-World Happiness - Volume 2.' This latest collection of guidelines is a follow-up to Noe's bestseller, continuing the conversation of how to stay sane, engaged and even enthralled working in the art world. 'After working all these years in the creative industries, I've found it essential to continuously rediscover the charm while at the same time remaining vigilant in avoiding unpleasant situations. With this next volume, I hope to inspire my readers to do the same,' Noe explains. Once again, Noe addresses all the actors of the art market, and even those not yet in it, with his witty tips, tricks and hacks that he's learnt the hard way, so you don't have to. Christoph Noe founded the Ministry of Art in 2005 with a focus on Chinese artists from the post-1970s and 1980s generation. In 2013 he co-founded LARRY'S LIST, a premier resource for art collectors. Other publications by Noe include The Private Art Museum Report 2023 (2023), The Next Gen Art Collectors Report (2021), Art Collector Report (2015), Liu Ye, a catalogue raisonné for the painter Liu Ye (2015), and Hong Kong Artists: 20 Portraits (2012).'After selling 5,000 copies of the first volume, it was time for a further review of how to keep the passion alive for our beloved art world. Once again, I have drawn on my own experiences to highlight just what makes it all worthwhile while also warning against some of the traps present in the scene.' 112 pp. Englisch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Author, art entrepreneur and art advisor, Christoph Noe, is back with his next round of advice on maintaining positivity in the art world with 'How To Not Fuck Up Your Art-World Happiness - Volume 2.' This latest collection of guidelines is a follow-up to Noe's bestseller, continuing the conversation of how to stay sane, engaged and even enthralled working in the art world. 'After working all these years in the creative industries, I've found it essential to continuously rediscover the charm while at the same time remaining vigilant in avoiding unpleasant situations. With this next volume, I hope to inspire my readers to do the same,' Noe explains. Once again, Noe addresses all the actors of the art market, and even those not yet in it, with his witty tips, tricks and hacks that he's learnt the hard way, so you don't have to. Christoph Noe founded the Ministry of Art in 2005 with a focus on Chinese artists from the post-1970s and 1980s generation. In 2013 he co-founded LARRY'S LIST, a premier resource for art collectors. Other publications by Noe include The Private Art Museum Report 2023 (2023), The Next Gen Art Collectors Report (2021), Art Collector Report (2015), Liu Ye, a catalogue raisonné for the painter Liu Ye (2015), and Hong Kong Artists: 20 Portraits (2012).'After selling 5,000 copies of the first volume, it was time for a further review of how to keep the passion alive for our beloved art world. Once again, I have drawn on my own experiences to highlight just what makes it all worthwhile while also warning against some of the traps present in the scene.' 112 pp. Englisch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Wie die in diesem Band versammelten Künstler:innen historische Objekte und Ereignisse durch ihre Werke gestalten, fordert Fragen nach alternativen Sichtweisen auf Geschichte heraus. Durch eine breite Palette von Perspektiven entsteht ein facettenreiches Bild, das dazu einlädt, komplexe historische Erzählungen in der Kunst neu zu betrachten und zu überdenken. Kunst wird als Möglichkeit begriffen, ein transgressives, zwischen den Disziplinen vermittelndes Verständnis zu entwickeln, um den Herausforderungen der gegenwärtigen Zeit zu begegnen. Denn so, wie wir die Vergangenheit wahrnehmen, werden wir uns in Zukunft verhalten und verändern wollen, können oder müssen. 192 pp. Englisch, Deutsch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Wie die in diesem Band versammelten Künstler:innen historische Objekte und Ereignisse durch ihre Werke gestalten, fordert Fragen nach alternativen Sichtweisen auf Geschichte heraus. Durch eine breite Palette von Perspektiven entsteht ein facettenreiches Bild, das dazu einlädt, komplexe historische Erzählungen in der Kunst neu zu betrachten und zu überdenken. Kunst wird als Möglichkeit begriffen, ein transgressives, zwischen den Disziplinen vermittelndes Verständnis zu entwickeln, um den Herausforderungen der gegenwärtigen Zeit zu begegnen. Denn so, wie wir die Vergangenheit wahrnehmen, werden wir uns in Zukunft verhalten und verändern wollen, können oder müssen. 192 pp. Englisch, Deutsch.

Buch. Condición: Neu. Neuware -Das Buch MMXXIV Maja Rieder zeigt Abbildungen der beiden neuen Werkblöcke Otto è un numero pari und Synthesizer (beide 2024). Zudem gibt es Einblicke in Entwurfs- und Skizzenmaterial welche den Arbeitsprozess der Künstlerin veranschaulichen.Über die Arbeiten der letzten vier Jahre informiert der Index im hinteren Teil des Buches.Das Bildmaterial wird durch zwei Texte (Deut. / Engl.) ergänzt, einen Essay von Anita Haldemann, Leiterin Kupferstichkabinett Basel und ein Gespräch zwischen der Künstlerin und Linda Schädler, Leiterin der graphischen Sammlung der ETH Zürich.Das Prozesshafte ist mir sehr wichtig. Ich zeichne, wie Du sagst, im Normalfall am Boden, wobei ich nicht nur an einem Blatt, sondern parallel an vielen Blättern arbeite. Das heisst, dass ich einige Striche auf ein Werk setze, zum nächsten gehe und dort weiterarbeite und so weiter, bis ich wieder beim ersten ankomme und dort weiterzeichne. Ich führe also gleichzeitig mehrere Werke aus. So können die verschiedenen Schichten trocknen. Doch eigentlich geht es mir vor allem darum, nicht vorab gedanklich alles durchdacht oder gar bis ins Detail konstruiert zu haben. Ich suche das Absichtslose. Daher kommt mir dieser rasche Prozess sehr entgegen. (Aus dem Gespräch zwischen Maja Rieder und Linda Schädler). 112 pp. Englisch, Deutsch.

Buch. Condición: Neu. Neuware -Das Buch MMXXIV Maja Rieder zeigt Abbildungen der beiden neuen Werkblöcke Otto è un numero pari und Synthesizer (beide 2024). Zudem gibt es Einblicke in Entwurfs- und Skizzenmaterial welche den Arbeitsprozess der Künstlerin veranschaulichen.Über die Arbeiten der letzten vier Jahre informiert der Index im hinteren Teil des Buches.Das Bildmaterial wird durch zwei Texte (Deut. / Engl.) ergänzt, einen Essay von Anita Haldemann, Leiterin Kupferstichkabinett Basel und ein Gespräch zwischen der Künstlerin und Linda Schädler, Leiterin der graphischen Sammlung der ETH Zürich.Das Prozesshafte ist mir sehr wichtig. Ich zeichne, wie Du sagst, im Normalfall am Boden, wobei ich nicht nur an einem Blatt, sondern parallel an vielen Blättern arbeite. Das heisst, dass ich einige Striche auf ein Werk setze, zum nächsten gehe und dort weiterarbeite und so weiter, bis ich wieder beim ersten ankomme und dort weiterzeichne. Ich führe also gleichzeitig mehrere Werke aus. So können die verschiedenen Schichten trocknen. Doch eigentlich geht es mir vor allem darum, nicht vorab gedanklich alles durchdacht oder gar bis ins Detail konstruiert zu haben. Ich suche das Absichtslose. Daher kommt mir dieser rasche Prozess sehr entgegen. (Aus dem Gespräch zwischen Maja Rieder und Linda Schädler). 112 pp. Englisch, Deutsch.

Buch. Condición: Neu. Neuware -Das Buch MMXXIV Maja Rieder zeigt Abbildungen der beiden neuen Werkblöcke Otto è un numero pari und Synthesizer (beide 2024). Zudem gibt es Einblicke in Entwurfs- und Skizzenmaterial welche den Arbeitsprozess der Künstlerin veranschaulichen.Über die Arbeiten der letzten vier Jahre informiert der Index im hinteren Teil des Buches.Das Bildmaterial wird durch zwei Texte (Deut. / Engl.) ergänzt, einen Essay von Anita Haldemann, Leiterin Kupferstichkabinett Basel und ein Gespräch zwischen der Künstlerin und Linda Schädler, Leiterin der graphischen Sammlung der ETH Zürich.Das Prozesshafte ist mir sehr wichtig. Ich zeichne, wie Du sagst, im Normalfall am Boden, wobei ich nicht nur an einem Blatt, sondern parallel an vielen Blättern arbeite. Das heisst, dass ich einige Striche auf ein Werk setze, zum nächsten gehe und dort weiterarbeite und so weiter, bis ich wieder beim ersten ankomme und dort weiterzeichne. Ich führe also gleichzeitig mehrere Werke aus. So können die verschiedenen Schichten trocknen. Doch eigentlich geht es mir vor allem darum, nicht vorab gedanklich alles durchdacht oder gar bis ins Detail konstruiert zu haben. Ich suche das Absichtslose. Daher kommt mir dieser rasche Prozess sehr entgegen. (Aus dem Gespräch zwischen Maja Rieder und Linda Schädler).

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Der Autor, Kunstunternehmer und Kunstberater Christoph Noe meldet sich mit der nächsten Runde seiner Ratschläge zur Aufrechterhaltung von Positivität in der Kunstwelt zurück: 'How To Not Fuck Up Your Art-World Happiness - Volume 2'. Diese neueste Sammlung von Richtlinien ist eine Fortsetzung von Noes Bestseller und führt das Gespräch darüber fort, wie man in der Kunstwelt gesund, engagiert und sogar begeistert bleibt. 'Nach all den Jahren in der Kreativbranche habe ich es als unerlässlich empfunden, den Charme der Kunstwelt immer wieder neu zu entdecken, während man gleichzeitig wachsam bleibt, um unangenehme Situationen zu vermeiden. Mit diesem nächsten Band hoffe ich, meine Leser zu inspirieren, dasselbe zu tun', erklärt Noe.Wieder einmal richtet sich Noe an alle Akteure des Kunstmarktes und sogar an diejenigen, die noch nicht Teil davon sind, und teilt seine humorvollen Tipps, Tricks und Hacks, die er auf die harte Tour gelernt hat, damit andere es nicht müssen.Christoph Noe gründete 2005 das Ministry of Art mit dem Fokus auf chinesische Künstler der Generationen ab den 1970er- und 1980er-Jahren. 2013 gründete er mit LARRY'S LIST eine führende Ressource für Kunstsammler. Weitere Veröffentlichungen von Noe umfassen 'The Private Art Museum Report 2023' (2023), 'The Next Gen Art Collectors Report' (2021), 'Art Collector Report' (2015), 'Liu Ye', ein Werkverzeichnis des Malers Liu Ye (2015), und 'Hong Kong Artists: 20 Portraits' (2012).'Nach dem Verkauf von 5.000 Exemplaren des ersten Bandes war es Zeit für eine weitere Überprüfung, wie man die Leidenschaft für unsere geliebte Kunstwelt am Leben erhält. Wieder einmal habe ich auf meine eigenen Erfahrungen zurückgegriffen, um zu zeigen, was das alles lohnenswert macht, und gleichzeitig vor einigen der Fallstricke zu warnen, die in der Szene existieren.' 112 pp. Englisch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Wie die in diesem Band versammelten Künstler:innen historische Objekte und Ereignisse durch ihre Werke gestalten, fordert Fragen nach alternativen Sichtweisen auf Geschichte heraus. Durch eine breite Palette von Perspektiven entsteht ein facettenreiches Bild, das dazu einlädt, komplexe historische Erzählungen in der Kunst neu zu betrachten und zu überdenken. Kunst wird als Möglichkeit begriffen, ein transgressives, zwischen den Disziplinen vermittelndes Verständnis zu entwickeln, um den Herausforderungen der gegenwärtigen Zeit zu begegnen. Denn so, wie wir die Vergangenheit wahrnehmen, werden wir uns in Zukunft verhalten und verändern wollen, können oder müssen.VfmK, Schwedenplatz 2/24, 1010 Wien 192 pp. Englisch, Deutsch.

Buch. Condición: Neu. Neuware -Das Buch MMXXIV Maja Rieder zeigt Abbildungen der beiden neuen Werkblöcke Otto è un numero pari und Synthesizer (beide 2024). Zudem gibt es Einblicke in Entwurfs- und Skizzenmaterial welche den Arbeitsprozess der Künstlerin veranschaulichen.Über die Arbeiten der letzten vier Jahre informiert der Index im hinteren Teil des Buches.Das Bildmaterial wird durch zwei Texte (Deut. / Engl.) ergänzt, einen Essay von Anita Haldemann, Leiterin Kupferstichkabinett Basel und ein Gespräch zwischen der Künstlerin und Linda Schädler, Leiterin der graphischen Sammlung der ETH Zürich.Das Prozesshafte ist mir sehr wichtig. Ich zeichne, wie Du sagst, im Normalfall am Boden, wobei ich nicht nur an einem Blatt, sondern parallel an vielen Blättern arbeite. Das heisst, dass ich einige Striche auf ein Werk setze, zum nächsten gehe und dort weiterarbeite und so weiter, bis ich wieder beim ersten ankomme und dort weiterzeichne. Ich führe also gleichzeitig mehrere Werke aus. So können die verschiedenen Schichten trocknen. Doch eigentlich geht es mir vor allem darum, nicht vorab gedanklich alles durchdacht oder gar bis ins Detail konstruiert zu haben. Ich suche das Absichtslose. Daher kommt mir dieser rasche Prozess sehr entgegen. (Aus dem Gespräch zwischen Maja Rieder und Linda Schädler).VfmK, Schwedenplatz 2/24, 1010 Wien 112 pp. Englisch, Deutsch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware - Wie die in diesem Band versammelten Künstler:innen historische Objekte und Ereignisse durch ihre Werke gestalten, fordert Fragen nach alternativen Sichtweisen auf Geschichte heraus. Durch eine breite Palette von Perspektiven entsteht ein facettenreiches Bild, das dazu einlädt, komplexe historische Erzählungen in der Kunst neu zu betrachten und zu überdenken. Kunst wird als Möglichkeit begriffen, ein transgressives, zwischen den Disziplinen vermittelndes Verständnis zu entwickeln, um den Herausforderungen der gegenwärtigen Zeit zu begegnen. Denn so, wie wir die Vergangenheit wahrnehmen, werden wir uns in Zukunft verhalten und verändern wollen, können oder müssen.

Buch. Condición: Neu. Neuware - Das Buch MMXXIV Maja Rieder zeigt Abbildungen der beiden neuen Werkblöcke Otto è un numero pari und Synthesizer (beide 2024). Zudem gibt es Einblicke in Entwurfs- und Skizzenmaterial welche den Arbeitsprozess der Künstlerin veranschaulichen.Über die Arbeiten der letzten vier Jahre informiert der Index im hinteren Teil des Buches.Das Bildmaterial wird durch zwei Texte (Deut. / Engl.) ergänzt, einen Essay von Anita Haldemann, Leiterin Kupferstichkabinett Basel und ein Gespräch zwischen der Künstlerin und Linda Schädler, Leiterin der graphischen Sammlung der ETH Zürich.Das Prozesshafte ist mir sehr wichtig. Ich zeichne, wie Du sagst, im Normalfall am Boden, wobei ich nicht nur an einem Blatt, sondern parallel an vielen Blättern arbeite. Das heisst, dass ich einige Striche auf ein Werk setze, zum nächsten gehe und dort weiterarbeite und so weiter, bis ich wieder beim ersten ankomme und dort weiterzeichne. Ich führe also gleichzeitig mehrere Werke aus. So können die verschiedenen Schichten trocknen. Doch eigentlich geht es mir vor allem darum, nicht vorab gedanklich alles durchdacht oder gar bis ins Detail konstruiert zu haben. Ich suche das Absichtslose. Daher kommt mir dieser rasche Prozess sehr entgegen. (Aus dem Gespräch zwischen Maja Rieder und Linda Schädler).

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Barry Le Va (1941-2021) is regarded as a moderniser of sculpture in post-1960s art. Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death.'I guess at that time the body was a new territory, and it had to be investigated.'Barry Le Va, 2003In his cross-disciplinary oeuvre, which is seen as beginning in the early days of process art and postminimalism, Barry Le Va succeeded in expanding the concept of sculpture. Not only did he break up the unit of form into countless particles, he also incorporated the principles of change, instability, and disruption as constants in his art.Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death, providing a survey of his work from the 1960s to his final groups of work. The thread running through this exhibition is the exploration of the relationship between the installations and the drawings.Executed with care and following detailed plans, Barry Le Va's installations are defined by the principles of chance, chaos and order. All his life, the floor was the artist's 'ground' and field for experimentation. First executed in 1966, his Distribution Pieces, scattered on the ground, gained him wide and instant public attention following a cover story in Artforum in November 1968.Drawing is an integral part of Le Va's oeuvre. On the one hand, he saw it as part of his thinking process; on the other, he understood drawings as 'diagrams that function almost like musical scores or compositions'. In this sense they often pave the way for the sculptural work, sometimes serving as a kind of 'plan view', while at the same time permitting interpretation and improvisation in situ. Other drawings are works in their own right.From the outset, the relationship between viewer and artwork was of the utmost importance to Le Va. His installations, which he likened to crime scenes, challenge the viewers to search for clues so as to reconstruct the act and the underlying concept. This approach is based on Le Va's profound interest in the crime genre: 'I became intrigued by the idea of visual clues, the way Sherlock Holmes managed to reconstruct a plot from obscure visual evidence.'The exhibition is accompanied by a three-volume publication in which the artist's voice is heard in particular through his 'Notes' (statements) and through the republication and first publication of interviews.The exhibition will travel to Fruitmarket, Edinburgh (26 October 2024 - 2 February 2025), and Museum Kurhaus Kleve (30 March - 29 June 2025). 520 pp. Englisch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Barry Le Va (1941-2021) is regarded as a moderniser of sculpture in post-1960s art. Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death.'I guess at that time the body was a new territory, and it had to be investigated.'Barry Le Va, 2003In his cross-disciplinary oeuvre, which is seen as beginning in the early days of process art and postminimalism, Barry Le Va succeeded in expanding the concept of sculpture. Not only did he break up the unit of form into countless particles, he also incorporated the principles of change, instability, and disruption as constants in his art.Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death, providing a survey of his work from the 1960s to his final groups of work. The thread running through this exhibition is the exploration of the relationship between the installations and the drawings.Executed with care and following detailed plans, Barry Le Va's installations are defined by the principles of chance, chaos and order. All his life, the floor was the artist's 'ground' and field for experimentation. First executed in 1966, his Distribution Pieces, scattered on the ground, gained him wide and instant public attention following a cover story in Artforum in November 1968.Drawing is an integral part of Le Va's oeuvre. On the one hand, he saw it as part of his thinking process; on the other, he understood drawings as 'diagrams that function almost like musical scores or compositions'. In this sense they often pave the way for the sculptural work, sometimes serving as a kind of 'plan view', while at the same time permitting interpretation and improvisation in situ. Other drawings are works in their own right.From the outset, the relationship between viewer and artwork was of the utmost importance to Le Va. His installations, which he likened to crime scenes, challenge the viewers to search for clues so as to reconstruct the act and the underlying concept. This approach is based on Le Va's profound interest in the crime genre: 'I became intrigued by the idea of visual clues, the way Sherlock Holmes managed to reconstruct a plot from obscure visual evidence.'The exhibition is accompanied by a three-volume publication in which the artist's voice is heard in particular through his 'Notes' (statements) and through the republication and first publication of interviews.The exhibition will travel to Fruitmarket, Edinburgh (26 October 2024 - 2 February 2025), and Museum Kurhaus Kleve (30 March - 29 June 2025). 520 pp. Englisch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Janz Franz was a self-taught artist, born in 1946 in Graz and passed away in Salzburg in 2017. In the 1960s, he was shaped by the emerging rock scene of Styria's capital city, followed the early years of the newly founded Forum Stadtpark and the avant-garde festival steirischer herbst, and frequented the local art and literary scene. In 1971, he moved to Salzburg to work initially as a waiter before increasingly dedicating himself to art from the late 1980s onward. In 1991, he met the performance artist Hermann Nitsch, who supported him and encouraged his gestural-expressive working style.The works of Janz are snapshots of the artist's existential condition, with the canvas serving as a place for dialogue with himself, as well as engaging with his surroundings and, above all, his critics. In Janz Franz's works, a drive for art emerges, characterized by immediacy, the unconscious, radical subjectivity, and a gestural working process. Layers of imagery are stacked upon each other, pop-cultural symbols are quoted and alienated, words and phrases are inserted into the image as linguistic extensions and commentaries, only to be erased again, building the artwork as if in geological strata. Dark in mood, they reveal depths and fears, speak of Eros and Thanatos, and reflect the tragedy of life. He was an artist who channeled the moods and energies of his surroundings and faced life's challenges with intensity and determination. 209 pp. Deutsch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Janz Franz was a self-taught artist, born in 1946 in Graz and passed away in Salzburg in 2017. In the 1960s, he was shaped by the emerging rock scene of Styria's capital city, followed the early years of the newly founded Forum Stadtpark and the avant-garde festival steirischer herbst, and frequented the local art and literary scene. In 1971, he moved to Salzburg to work initially as a waiter before increasingly dedicating himself to art from the late 1980s onward. In 1991, he met the performance artist Hermann Nitsch, who supported him and encouraged his gestural-expressive working style.The works of Janz are snapshots of the artist's existential condition, with the canvas serving as a place for dialogue with himself, as well as engaging with his surroundings and, above all, his critics. In Janz Franz's works, a drive for art emerges, characterized by immediacy, the unconscious, radical subjectivity, and a gestural working process. Layers of imagery are stacked upon each other, pop-cultural symbols are quoted and alienated, words and phrases are inserted into the image as linguistic extensions and commentaries, only to be erased again, building the artwork as if in geological strata. Dark in mood, they reveal depths and fears, speak of Eros and Thanatos, and reflect the tragedy of life. He was an artist who channeled the moods and energies of his surroundings and faced life's challenges with intensity and determination. 209 pp. Deutsch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Barry Le Va (1941-2021) is regarded as a moderniser of sculpture in post-1960s art. Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death.'I guess at that time the body was a new territory, and it had to be investigated.'Barry Le Va, 2003In his cross-disciplinary oeuvre, which is seen as beginning in the early days of process art and postminimalism, Barry Le Va succeeded in expanding the concept of sculpture. Not only did he break up the unit of form into countless particles, he also incorporated the principles of change, instability, and disruption as constants in his art.Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death, providing a survey of his work from the 1960s to his final groups of work. The thread running through this exhibition is the exploration of the relationship between the installations and the drawings.Executed with care and following detailed plans, Barry Le Va's installations are defined by the principles of chance, chaos and order. All his life, the floor was the artist's 'ground' and field for experimentation. First executed in 1966, his Distribution Pieces, scattered on the ground, gained him wide and instant public attention following a cover story in Artforum in November 1968.Drawing is an integral part of Le Va's oeuvre. On the one hand, he saw it as part of his thinking process; on the other, he understood drawings as 'diagrams that function almost like musical scores or compositions'. In this sense they often pave the way for the sculptural work, sometimes serving as a kind of 'plan view', while at the same time permitting interpretation and improvisation in situ. Other drawings are works in their own right.From the outset, the relationship between viewer and artwork was of the utmost importance to Le Va. His installations, which he likened to crime scenes, challenge the viewers to search for clues so as to reconstruct the act and the underlying concept. This approach is based on Le Va's profound interest in the crime genre: 'I became intrigued by the idea of visual clues, the way Sherlock Holmes managed to reconstruct a plot from obscure visual evidence.'The exhibition is accompanied by a three-volume publication in which the artist's voice is heard in particular through his 'Notes' (statements) and through the republication and first publication of interviews.The exhibition will travel to Fruitmarket, Edinburgh (26 October 2024 - 2 February 2025), and Museum Kurhaus Kleve (30 March - 29 June 2025).

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Janz Franz war ein Autodidakt, geboren 1946 in Graz und 2017 in Salzburg verstorben. In den 1960er Jahren wurde er von der aufkommenden Rockszene der steirischen Hauptstadt geprägt, verfolgte die Anfänge des neu gegründeten Forum Stadtpark und des avantgardistischen Festivals steirischer herbst und bewegte sich in der lokalen Kunst- und Literaturszene. 1971 zog er nach Salzburg, wo er zunächst als Kellner arbeitete, bevor er sich ab Ende der 1980er Jahre zunehmend der Kunst widmete. 1991 lernte er den Aktionskünstler Hermann Nitsch kennen, der ihn unterstützte und seinen gestisch-expressiven Arbeitsstil förderte.Die Werke von Janz sind Momentaufnahmen des existenziellen Zustands des Künstlers. Die Leinwand diente ihm als Ort des Dialogs mit sich selbst, seiner Umwelt und vor allem seinen Kritikern. In den Arbeiten von Janz Franz tritt ein künstlerischer Drang hervor, der durch Unmittelbarkeit, Unbewusstes, radikale Subjektivität und einen gestischen Arbeitsprozess geprägt ist. Bildschichten werden übereinandergelagert, popkulturelle Symbole zitiert und verfremdet, Worte und Phrasen als sprachliche Erweiterungen und Kommentare in das Bild eingefügt, um dann wieder gelöscht zu werden, und das Kunstwerk entsteht dabei wie geologische Schichten. Düster in ihrer Stimmung, offenbaren sie Tiefen und Ängste, sprechen von Eros und Thanatos und spiegeln die Tragik des Lebens wider. Er war ein Künstler, der die Stimmungen und Energien seiner Umgebung aufnahm und den Herausforderungen des Lebens mit Intensität und Entschlossenheit begegnete.

Buch. Condición: Neu. Neuware -Das Buch MMXXIV Maja Rieder zeigt Abbildungen der beiden neuen Werkblöcke Otto è un numero pari und Synthesizer (beide 2024). Zudem gibt es Einblicke in Entwurfs- und Skizzenmaterial welche den Arbeitsprozess der Künstlerin veranschaulichen.Über die Arbeiten der letzten vier Jahre informiert der Index im hinteren Teil des Buches.Das Bildmaterial wird durch zwei Texte (Deut. / Engl.) ergänzt, einen Essay von Anita Haldemann, Leiterin Kupferstichkabinett Basel und ein Gespräch zwischen der Künstlerin und Linda Schädler, Leiterin der graphischen Sammlung der ETH Zürich.Das Prozesshafte ist mir sehr wichtig. Ich zeichne, wie Du sagst, im Normalfall am Boden, wobei ich nicht nur an einem Blatt, sondern parallel an vielen Blättern arbeite. Das heisst, dass ich einige Striche auf ein Werk setze, zum nächsten gehe und dort weiterarbeite und so weiter, bis ich wieder beim ersten ankomme und dort weiterzeichne. Ich führe also gleichzeitig mehrere Werke aus. So können die verschiedenen Schichten trocknen. Doch eigentlich geht es mir vor allem darum, nicht vorab gedanklich alles durchdacht oder gar bis ins Detail konstruiert zu haben. Ich suche das Absichtslose. Daher kommt mir dieser rasche Prozess sehr entgegen. (Aus dem Gespräch zwischen Maja Rieder und Linda Schädler). 112 pp. Englisch, Deutsch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Barry Le Va (1941-2021) is regarded as a moderniser of sculpture in post-1960s art. Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death.'I guess at that time the body was a new territory, and it had to be investigated.'Barry Le Va, 2003In his cross-disciplinary oeuvre, which is seen as beginning in the early days of process art and postminimalism, Barry Le Va succeeded in expanding the concept of sculpture. Not only did he break up the unit of form into countless particles, he also incorporated the principles of change, instability, and disruption as constants in his art.Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death, providing a survey of his work from the 1960s to his final groups of work. The thread running through this exhibition is the exploration of the relationship between the installations and the drawings.Executed with care and following detailed plans, Barry Le Va's installations are defined by the principles of chance, chaos and order. All his life, the floor was the artist's 'ground' and field for experimentation. First executed in 1966, his Distribution Pieces, scattered on the ground, gained him wide and instant public attention following a cover story in Artforum in November 1968.Drawing is an integral part of Le Va's oeuvre. On the one hand, he saw it as part of his thinking process; on the other, he understood drawings as 'diagrams that function almost like musical scores or compositions'. In this sense they often pave the way for the sculptural work, sometimes serving as a kind of 'plan view', while at the same time permitting interpretation and improvisation in situ. Other drawings are works in their own right.From the outset, the relationship between viewer and artwork was of the utmost importance to Le Va. His installations, which he likened to crime scenes, challenge the viewers to search for clues so as to reconstruct the act and the underlying concept. This approach is based on Le Va's profound interest in the crime genre: 'I became intrigued by the idea of visual clues, the way Sherlock Holmes managed to reconstruct a plot from obscure visual evidence.'The exhibition is accompanied by a three-volume publication in which the artist's voice is heard in particular through his 'Notes' (statements) and through the republication and first publication of interviews.The exhibition will travel to Fruitmarket, Edinburgh (26 October 2024 - 2 February 2025), and Museum Kurhaus Kleve (30 March - 29 June 2025).VfmK, Schwedenplatz 2/24, 1010 Wien 520 pp. Englisch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware - Barry Le Va (1941-2021) is regarded as a moderniser of sculpture in post-1960s art. Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death.'I guess at that time the body was a new territory, and it had to be investigated.'Barry Le Va, 2003In his cross-disciplinary oeuvre, which is seen as beginning in the early days of process art and postminimalism, Barry Le Va succeeded in expanding the concept of sculpture. Not only did he break up the unit of form into countless particles, he also incorporated the principles of change, instability, and disruption as constants in his art.Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death, providing a survey of his work from the 1960s to his final groups of work. The thread running through this exhibition is the exploration of the relationship between the installations and the drawings.Executed with care and following detailed plans, Barry Le Va's installations are defined by the principles of chance, chaos and order. All his life, the floor was the artist's 'ground' and field for experimentation. First executed in 1966, his Distribution Pieces, scattered on the ground, gained him wide and instant public attention following a cover story in Artforum in November 1968.Drawing is an integral part of Le Va's oeuvre. On the one hand, he saw it as part of his thinking process; on the other, he understood drawings as 'diagrams that function almost like musical scores or compositions'. In this sense they often pave the way for the sculptural work, sometimes serving as a kind of 'plan view', while at the same time permitting interpretation and improvisation in situ. Other drawings are works in their own right.From the outset, the relationship between viewer and artwork was of the utmost importance to Le Va. His installations, which he likened to crime scenes, challenge the viewers to search for clues so as to reconstruct the act and the underlying concept. This approach is based on Le Va's profound interest in the crime genre: 'I became intrigued by the idea of visual clues, the way Sherlock Holmes managed to reconstruct a plot from obscure visual evidence.'The exhibition is accompanied by a three-volume publication in which the artist's voice is heard in particular through his 'Notes' (statements) and through the republication and first publication of interviews.The exhibition will travel to Fruitmarket, Edinburgh (26 October 2024 - 2 February 2025), and Museum Kurhaus Kleve (30 March - 29 June 2025).

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Barry Le Va (1941-2021) is regarded as a moderniser of sculpture in post-1960s art. Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death.'I guess at that time the body was a new territory, and it had to be investigated.'Barry Le Va, 2003In his cross-disciplinary oeuvre, which is seen as beginning in the early days of process art and postminimalism, Barry Le Va succeeded in expanding the concept of sculpture. Not only did he break up the unit of form into countless particles, he also incorporated the principles of change, instability, and disruption as constants in his art.Kunstmuseum Liechtenstein presents the first retrospective since the artist's death, providing a survey of his work from the 1960s to his final groups of work. The thread running through this exhibition is the exploration of the relationship between the installations and the drawings.Executed with care and following detailed plans, Barry Le Va's installations are defined by the principles of chance, chaos and order. All his life, the floor was the artist's 'ground' and field for experimentation. First executed in 1966, his Distribution Pieces, scattered on the ground, gained him wide and instant public attention following a cover story in Artforum in November 1968.Drawing is an integral part of Le Va's oeuvre. On the one hand, he saw it as part of his thinking process; on the other, he understood drawings as 'diagrams that function almost like musical scores or compositions'. In this sense they often pave the way for the sculptural work, sometimes serving as a kind of 'plan view', while at the same time permitting interpretation and improvisation in situ. Other drawings are works in their own right.From the outset, the relationship between viewer and artwork was of the utmost importance to Le Va. His installations, which he likened to crime scenes, challenge the viewers to search for clues so as to reconstruct the act and the underlying concept. This approach is based on Le Va's profound interest in the crime genre: 'I became intrigued by the idea of visual clues, the way Sherlock Holmes managed to reconstruct a plot from obscure visual evidence.'The exhibition is accompanied by a three-volume publication in which the artist's voice is heard in particular through his 'Notes' (statements) and through the republication and first publication of interviews.The exhibition will travel to Fruitmarket, Edinburgh (26 October 2024 - 2 February 2025), and Museum Kurhaus Kleve (30 March - 29 June 2025). 520 pp. Englisch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware -Janz Franz war ein Autodidakt, geboren 1946 in Graz und 2017 in Salzburg verstorben. In den 1960er Jahren wurde er von der aufkommenden Rockszene der steirischen Hauptstadt geprägt, verfolgte die Anfänge des neu gegründeten Forum Stadtpark und des avantgardistischen Festivals steirischer herbst und bewegte sich in der lokalen Kunst- und Literaturszene. 1971 zog er nach Salzburg, wo er zunächst als Kellner arbeitete, bevor er sich ab Ende der 1980er Jahre zunehmend der Kunst widmete. 1991 lernte er den Aktionskünstler Hermann Nitsch kennen, der ihn unterstützte und seinen gestisch-expressiven Arbeitsstil förderte.Die Werke von Janz sind Momentaufnahmen des existenziellen Zustands des Künstlers. Die Leinwand diente ihm als Ort des Dialogs mit sich selbst, seiner Umwelt und vor allem seinen Kritikern. In den Arbeiten von Janz Franz tritt ein künstlerischer Drang hervor, der durch Unmittelbarkeit, Unbewusstes, radikale Subjektivität und einen gestischen Arbeitsprozess geprägt ist. Bildschichten werden übereinandergelagert, popkulturelle Symbole zitiert und verfremdet, Worte und Phrasen als sprachliche Erweiterungen und Kommentare in das Bild eingefügt, um dann wieder gelöscht zu werden, und das Kunstwerk entsteht dabei wie geologische Schichten. Düster in ihrer Stimmung, offenbaren sie Tiefen und Ängste, sprechen von Eros und Thanatos und spiegeln die Tragik des Lebens wider. Er war ein Künstler, der die Stimmungen und Energien seiner Umgebung aufnahm und den Herausforderungen des Lebens mit Intensität und Entschlossenheit begegnete.VfmK, Schwedenplatz 2/24, 1010 Wien 209 pp. Deutsch.

Taschenbuch. Condición: Neu. Neuware - Janz Franz was a self-taught artist, born in 1946 in Graz and passed away in Salzburg in 2017. In the 1960s, he was shaped by the emerging rock scene of Styria's capital city, followed the early years of the newly founded Forum Stadtpark and the avant-garde festival steirischer herbst, and frequented the local art and literary scene. In 1971, he moved to Salzburg to work initially as a waiter before increasingly dedicating himself to art from the late 1980s onward. In 1991, he met the performance artist Hermann Nitsch, who supported him and encouraged his gestural-expressive working style.The works of Janz are snapshots of the artist's existential condition, with the canvas serving as a place for dialogue with himself, as well as engaging with his surroundings and, above all, his critics. In Janz Franz's works, a drive for art emerges, characterized by immediacy, the unconscious, radical subjectivity, and a gestural working process. Layers of imagery are stacked upon each other, pop-cultural symbols are quoted and alienated, words and phrases are inserted into the image as linguistic extensions and commentaries, only to be erased again, building the artwork as if in geological strata. Dark in mood, they reveal depths and fears, speak of Eros and Thanatos, and reflect the tragedy of life. He was an artist who channeled the moods and energies of his surroundings and faced life's challenges with intensity and determination.